Японская цивилизация
Развитию японской живописи способствовали контакты с
континентом, откуда в начале VII века было позаимствовано искусство
изготовления красок, бумаги и туши.
Большое значение для судеб японской живописи, равно
как и скульптуры, имело распространение в стране буддизма, поскольку
потребности буддийской культовой практики создавали определенный спрос на
произведения этих видов искусства. Так, с X века с целью распространения среди
верующих знаний о событиях буддийской священной истории в массовом порядке
создавались так называемые эмакиномо (длинные горизонтальные свитки), на
которых изображались сцены из буддийской священной истории или из связанных с
нею притч.
Японская живопись в VII веке была весьма еще проста и
безыскусна. Представления о ней дают росписи на ковчеге Тамамуси из храма
Хорюдзи, отображавшие те же сцены, которые воспроизводились на эмакимоно. Росписи
выполнены красной, зеленой и желтой краской на черном фоне. Некоторые росписи
на стенах храмов, относящиеся к VII веку, имеют много общего с аналогичными
росписями в Индии.
По мере дальнейшего распространения буддизма возник
массовый спрос на культовые изображения. В связи с этим профессия художника
стала очень распространенной, причем уже в VII веке среди мастеров, занятых
созданием картин, развивалась даже специализация: одни делали общий набросок
рисунка, другие раскрашивали его, третьи обводили контуры.
Рисунки на полотнищах эмакимоно в VII-VIII веках имели
весьма простой, близкий к символическому характер, изображениям не хватало
динамики. Однако с течением времени художественное качество рисунков эмакимоно
возросло, и лучшие из них весьма выразительны и совершенны.
С VIII века в Японии начинается развитие жанровой и
пейзажной живописи. До наших дней дошла ширма под условным названием “Женщина с
птичьими перьями”. На ширме изображена женщина, стоящая под деревом, волосы и
кимоно ее украшены перьями. Рисунок исполнен легкими, струящимися линиями.
Для буддийской живописи с IX века характерными
являются изображения мандалы, что на санскрите означает алтарь. При создании
мандал использовались дорогостоящие материалы. Например, “Такао мандала”,
хранящаяся в монастыре Дзингодзи, написана золотом и серебром на плотном
фиолетовом шелке.
Первоначально японские художники, отчасти в связи с
характером тематики, над которой они преимущественно работали (буддийская живопись),
находились под сильным китайским влиянием: писали в китайском стиле, или стиле
кара-э. Но со временем в противовес картинам в китайском стиле кара-э стали
появляться светские по тематике картины в японском стиле, или стиле ямато-э
(живопись Ямато). В Х—XII веках стиль ямато-э стал господствующим в живописи,
хотя произведения сугубо религиозного характера все еще писались в китайском
стиле. В этот период получила распространение техника нанесения контуров рисунка
мельчайшей золотой фольгой.
В XI—XII веках появилось много выдающихся по технике
исполнения произведений чисто светской живописи, включая портретную. Многие художники-профессионалы
создавали картины только на светские темы, такие картины изображали и на
складных ширмах и сёдзи.
Одним из образцов исторической живописи эпохи Камакура
является знаменитый свиток XIII века “Хэйдзи-моногатари”, на котором запечатлено
восстание, поднятое в 1159 г. главой крупного самурайского клана Ёситомо
Минамото. Как и миниатюры в древнерусских летописях, свитки, подобные
“Хэйдзи-моногатари”, являются не только выдающимися памятниками искусства, но и
историческими свидетельствами. Соединяя текст и изображение, они воспроизводили
по горячим следам бурные события княжеских усобиц второй половины XII века,
воспевали военные подвиги и высокие моральные качества вышедшего на арену
истории нового военно-дворянского сословия — самураев.
О художественных достоинствах исторических самурайских
эмакимоно (свитков) указанного времени можно судить по фрагменту из
“Хэйдзи-моногатари” с изображением одного из эпизодов войны — “Битвы у
Рокухара”. При яростном динамизме сцены и яркости ее художественного решения не
устаешь удивляться степени проработанности отдельных деталей. А ведь это лишь
один из фрагментов свитка! Выразительны лица захлебнувшегося в крике,
атакующего всадника с огромным луком в руках и мечом на поясе и бегущего справа
от него пехотинца. Отлично выписана черная лошадиная голова на переднем плане.
Более условны, почти как маски театра. Но, напряженные лица самураев на заднем
плане. Но и они поданы в броске, в движении. Развеваются красные ленты за шлемом
бегущего слева воина с колчаном стрел за плечами, напряженно прижат к груди локоть
его левой руки. Мастерство художника в передаче движения, жеста не может не вызвать
восхищения. И при этом — свободное владение всем многообразием цветовых оттенков,
профессиональная точность в воспроизведении деталей самурайских доспехов,
оружия, конской сбруи.
С конца XVI века основными формами живописи становятся
стенопись, картины на складных ширмах. Произведения живописи украшают дворцы
аристократов, дома горожан, монастыри и храмы. Развивается стиль декоративных
панно — дами-э. Такие панно писали сочными красками на золотой фольге.
Признаком высокого уровня развития живописи является
существование в конце XVI века ряда живописных школ, в том числе Кано, Тоса,
Ункоку. Сога, Хасэгава, Кайхо. Выдающиеся картины, созданные в этот период,
принадлежат не только известным живописцам, но и оставшимся безвестными
мастерам.
В течение XVII—XIX веков исчезает ряд некогда
прославленных школ, но их место занимают новые, такие, как школа гравюры на
дереве укиё-э, школы Маруяма-Сидзе, Нанга, европейской живописи, а также школа,
ратовавшая за возрождение в живописи стиля ямато-э, т. е. старого японского
стиля.
Центрами культуры и искусства позднего средневековья
(оно затянулось в Японии практически до XIX века) становятся наряду с древними
городами Нара и Киото новая столица Эдо (современный Токио), Осака, Нагасаки и
др. Расцвет специфической городской культуры и сопутствующих видов искусства
определил основное направление развития японского искусства в XVII—XIX веках.
При этом подверглись изменению как формы “бытования” искусства, так и его
общественная функция. Высочайшего уровня достигла также гравюра на дереве,
ставшая в XVIII—XIX веках главных видом японского искусства.
Вообще искусство эпохи Эдо (1615—1868) характеризуется
особым демократизмом (потребителями его являются самые широкие круги горожан —
третьего сословия) и сочетанием художественного и функционального. Примером
такого сочетания является живопись на ширмах. Ширма — вещь, имеющая точное
функциональное назначение в интерьере японского жилища, предмет быта.
Одновременно это — картина, произведение искусства, определяющее эмоциональный
тонус жилища, предмет эстетического созерцания. Именно на парных ширмах
написаны “Красные и белые цветы сливы” — самое значительное и знаменитое из
сохранившихся произведений великого художника Огата Корина (1658—1716), шедевр,
по праву причисляемый к лучшим созданиям не только японской, но и мировой
живописи.
Интересна судьба упомянутой выше гравюры на дереве —
укиё-э. В свое время, в прошлом столетии, Европа, а затем и Россия именно через
гравюру впервые познакомились с феноменом японского искусства. Между тем в
самой Японии гравюру на дереве первоначально вообще не считали искусством,
таким, как живопись на ширмах или на свитках. Возникшая на стыке искусства и
ремесла, японская гравюра действительно имела все признаки массовой культуры —
тираж, доступность, дешевизну. Не случайно ее так и назвали — “укиё-э” (слово
“укиё” означает в переводе темное, мирское, обиходное”). Мастера укиё-э
добивались максимальной простоты и доходчивости как в выборе сюжетов, так и в
их воплощении. Сюжетами гравюр были в основном жанровые сценки из повседневной
жизни города и его обитателей: торговцев, артистов, гейш.
Укиё-э, как особая художественная школа, выдвинула
целый ряд первоклассных мастеров. Начальный этап в развитии сюжетной гравюры
связан с именем Хисикава Моронобу (1618—1694). Первым мастерам многоцветной
гравюры был Судзуки Харунобу, творивший в середине XVIII века. Главные мотивы
его творчества — лирические сцены с преимущественным вниманием не к действию, а
к передаче чувств и настроений: нежности, грусти, любви. Подобно древнему
изысканному искусству эпохи Хэйан, мастера укиё-э возрождали в новой городской
среде своеобразный культ утонченной женской красоты, с той только разницей, что
вместо гордых хэйанских аристократок героинями гравюр стали изящные гейши из
увеселительных кварталов Эдо. Художник Утамаро (1753—1806) представляет собой,
может быть, уникальный в истории мировой живописи пример мастера, безраздельно
посвятившего свое творчество изображению женщин — в разных жизненных обстоятельствах,
в разнообразных позах и туалетах. Одна из лучших его работ — “Гейша Осама”
находится в Москве, в Музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина.
Необыкновенно тонко передано художником единство жеста и настроения, освещения
и выражения лица.
Высочайшего уровня жанр японской гравюры достиг в
творчестве Кацусика Хокусая (17СО—1849). Ему свойственны неизвестные ранее в
японском искусстве полнота охвата жизни, интерес ко всем ее сторонам — от
случайной уличной сцены до величественных явлений природы. Творческая судьба
Хокусая необычна. Плодовитейший мастер, — ему принадлежит свыше 30 тысяч гравюр
и рисунков, более 500 иллюстрированных книг, — он обрел творческую
индивидуальность лишь в преклонном возрасте, накопив за долгую жизнь великое множество
знаний, навыков, умений, достигнув подлинной мудрости в видении мира и
человека. В возрасте 70 лет Хокусай создает свою самую знаменитую серию гравюр
“36 видов Фудзи”, за нею последовали серии “Мосты”, “Большие цветы”,
“Путешествия по водопадам страны”, альбом “100 видов Фудзи”. Каждая гравюра —
ценный памятник живописного искусства, а серии в целом дают глубокую,
своеобразную концепцию бытия, мироздания, места человека в нем, традиционную в
лучшем смысле слова, т. е. укорененную в тысячелетней истории японского художественного
мышления, и совершенно новаторскую, временами дерзкую, по средствам исполнения.
Блистательно возродив пейзажный жанр, давший в средние
века такие шедевры, как “Зимний пейзаж” Сэссю, Хокусай вывел его из канона
средневековья прямо в художественную практику XIX—XX веков, оказав и оказывая
влияние не только на французских импрессионистов и постимпрессионистов
(Ван-Гога, Гогена, Матисса), но и на русских художников “Мира искусства” и другие,
уже современные нам школы.
Искусство цветной гравюры укиё-э явилось в целом
прекрасным итогом и, может быть, даже своеобразным завершением неповторимых
путей японского изобразительного творчества.
СКУЛЬПТУРА. Распространение в стране буддизма способствовало развитию в Японии
искусства скульптуры, поскольку отправление буддийских культов требовало
скульптурного изображения будд, бодисатв и т. п. Однако буддизм же в
определенной мере и сковывал это развитие, ибо единственным объектом
изображения первоначально был Будда, причем, как известно, буддийские художники
при его изображении вынуждены были считаться с весьма строгими предписаниями
относительно того, как, в каких позах, при каком расположении рук, ног,
туловища и каким именно образом он должен быть изображен.
В период Асука, т. е. после 650 г., уже существовало
много изображений Будды. В 650 г. выдающийся мастер этой эпохи Ямагути-но
Атаногути по приказу императора создал композицию "Тысяча будд".
Одной из наиболее древних статуй является статуя Будды
в храме Гангодзи, сделанная скульптором Тори Буси в начале VII века. Будда
изображен стоя. Высота фигуры 5 м. Известны изображения Будд из бронзы.
Например, скульптура триады Сяка в Золотом храме ансамбля Хорюдзи. Однако
преобладающая часть буддийских скульптур выполнялась из дерева.
К числу памятников раннебуддийской скульптуры,
восходящих к импортированным, прежде всего, корейским образцам, но уже явно
отмеченных своеобразием японского гения относится статуя Гусэ Каннон из храма
Юмэдоно (дословно "Павильон сновидений") в монастыре Хорюдзи. Фигура
богини выполнена из одного куска камфорного дерева. Искусствоведы считают, что
это деревянная копия бронзовой статуи, покрытая позже тонким листовым золотом.
Каннон - так называли японцы бодисатву
Авалокитешва-ру. В Японии этот образ слился с образом женского божества,
выражающего идею материнской любви, милосердия, милости ко всему живущему.
Скульптура в Японии продолжала свое развитие и в
период Нара, когда ранний японский абсолютизм достиг расцвета (примерно вторая
половина VII в.). Скульптуры этого периода характеризуются уже большей
творческой свободой мастера, а лучшие отличаются пластичностью и правильностью
в передаче пропорций человеческого тела. Прекрасными образцами искусства того
периода являются голова Будды в храме Ямададэра и триада Якуси в храме
Якусидзи. Как и в других буддийских странах, в Японии периода Нара создаются
огромные скульптурные изображения будд и бодисатв, расположенные вне помещений.
Например, 18-метровая скульптура бодисатвы Мироку в храме Дайандзи. В целом
буддийская скульптура в Японии достигла в период Нара уровня лучших образцов
скульптуры других буддийских стран.
В поздний период Нара (VIII в.) была построена группа
ведущих храмов, что потребовало большого количества скульптур. В изображениях
будд в этот период отмечается более строгое следование канону. Вместе с тем
буддийская скульптура стала более разнообразной. Начала развиваться и
портретная скульптура. Характеризуя особенности реализма в японской скульптуре
того периода, академик Н. И. Конрад писал: "Скульптура наделена живым
человеческим лицом; но важна не столько точная передача внешних черт
портретируемого, сколько внутреннее выражение средневекового портрета.
Выражение же может быть реалистическим, если оно соответствует внутренней
природе изображаемого персонажа. Персонажи в данном случае - святые,
подвижники, проповедники; подлинное в них - именно то, что делает их святыми,
подвижниками, проповедниками. Вот эту истинную - для данного случая -
реальность, выраженную в человеческом облике, и демонстрируют статуи эпохи
Тэмпё (2-я и 3-я трети VIII в.). Для современного наблюдателя это -
скульптурные портреты очень разных людей с выразительными лицами, порою
нервными, чуть ли не издерганными, порою исполненными величавого покоя,
сосредоточенности, глубокого раздумья. А рядом с ними - то, с чем они, эти
святые, воевали, ради чего, во имя чего боролись. Воевали они со злом, и вот
оно - в образе ужасного демона. Боролись за добро, и вот оно - в образе
светлого божества".
Мы видим сосредоточенность и отрешенность в лице и в
позе достигшего неба на земле монаха Гандзина, основателя монастыря Тосёдайдзи
(VIII в.); благость и умиротворенность - в опущенных веках и молитвенно
сложенных ладонях Гэкко-босацу из храма Тодайдзи; яростную мощь и энергию,
постоянную напряженную готовность отразить удар, волю к сокрушению зла - в
экспрессивной фигуре стража Синконгосин из того же храма.
Скульптуры в период Нара создавались из глины, дерева,
глины и дерева, сухого лака без основы, металлов, камня. Одной из наиболее
древних скульптур, дошедших до нас и выполненных из дерева и глины, является
скульптура Конгорики-си - божества, охраняющего буддийское учение, созданная,
как предполагается, около 711 г. Скульптуры из сухого лака также порой
достигали внушительной величины - до 3 м. В конце периода Нара глиняная
скульптура начала исчезать, деревянная же продолжала развиваться. Об искусстве
японских скульпторов периода Нара косвенно свидетельствует наличие особых
мастерских для изготовления будд. Мастерские эти подчинялись особому учреждению
- приказу по строительству храмов Тодайдзи. В приказе были объединены
художники, резчики по дереву, скульпторы, мастера по лаку, специалисты в
области художественного литья и др. Здесь велась документация, из которой можно
узнать, какие мастера и когда выполнили те или иные художественные заказы.
Часть ее дошла до нас.
Одной из примечательных скульптур периода Нара
является так называемый Большой Будда - Дайбуцу. Работы по сооружению этого
бронзового колосса начались в 747 г. и завершились в апреле 757 г. Церемония
освящения Большого Будды состоялась по требованию духовенства даже до
завершения работ по позолоте этой скульптуры. Гигантская фигура предназначалась
для столь же грандиозного, величественного храма Тодайдзи. В дальнейшем статуя
Большого Будды вместе с храмом несколько раз разрушалась и вновь
воссоздавалась. Дошедшая до нас скульптура почти полностью реконструирована в
1692 г.
Развитие каменной скульптуры в Японии тормозилось
отсутствием подходящих материалов. До наших дней, правда, сохранилось много
каменных будд, но все же каменная буддийская скульптура в Японии распространена
значительно меньше, чем в других буддийских странах. От периода Нара до нас
дошли рельефные на камне изображения будд - так называемые будды дзуто. В этот
период вообще была довольно развита техника скульптурного рельефа. Рельефы
выполнялись на металле, камне, черепице и кирпиче.
Признаком высокого уровня развития скульптуры в период
Хэйан является наличие разных стилей, направлений. Специалисты выделяют
несколько таких стилей, хотя и не всегда достаточно обоснованно.
Что касается техники выполнения скульптуры, то для
раннего Хэйанского периода было характерно создание скульптуры из одного куска
дерева. Получил развитие и особый метод резьбы по дереву - хомбо. Скульптура из
глины и сухого лака постепенно исчезла. С начала XI века широкое
распространение получил метод киёсэ, который состоял в том, что скульптура
изготовлялась по частям, которые после обработки плотно соединяли друг с
другом. Это метод так называемой блочной скульптуры. Считается, что он был
разработан и освоен скульптором Дзете. Метод киёсэ возник на базе метода
сэгура, заключавшегося в том, что статую делали полой, причем постепенно полыми
стали делать не только голову и туловище, но и конечности.
Для Хэйанского периода является весьма характерным
интенсивное развитие живописи, которая оказывала влияние и на искусство
скульптуры: мастера стали уделять большее внимание живописно-пространственному
ее решению в ущерб объемности и пластичности. По-видимому, этим объясняется
появление плоских и декоративных скульптур, как, например, изображение. В конце
хэйанского периода в Киото существовало несколько скульптурных мастерских.
В начале периода Камакура (с 1185 г.) скульпторы
продолжали развивать традиции Хэйанского периода. Важную роль в этом божества
Амида Нёрай, главной святыни храма Бёдоин, исполненной знаменитым Дзете за
несколько лет до его смерти (1057 г.).
Страницы: 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7
|
|